Ausstellungen – Exhibitions – Expositions
International Arts & Artists, Washington, DC / The Memorial Art Gallery of the University of Rochester, Rochester, NY
Herbst 2018 – Herbst 2021 (Wanderausstellung)
»The Surreal Visions of Josephine Tota presents the stunning works of visionary artist Josephine Tota (1911–1996) through more than 80 paintings and objects from private collections and from the permanent collection of the Memorial Art Gallery of the University of Rochester. Tota was a reserved, first-generation Italian immigrant who – toward the end of a seemingly ordinary life – produced a decade’s worth of wild, fantastical paintings. In a solitary journey of creative expression, Tota channeled her obsessive energy, personal tragedies, and lifetime of memories into harrowing, self-referential images. Surreal Visions explores the richness of Tota’s idiosyncratic imagination and confronts commonly held assumptions about outsider and visionary artists…«
Museo Naticional d'Arte de Catalunya, Barcelona
7. Juli 2018 – 14. Okt. 2018
»Gala (7 de setembre de 1894 – 10 de juny de 1982), nascuda en una família d'intel·lectuals de Kazan (Rússia), va viure la seva infantesa a Moscou. Instal·lada a Suïssa, va conèixer Paul Éluard, amb qui es va traslladar a París i va contactar amb els membres del moviment surrealista, com ara Max Ernst.
El 1929 viatja a Cadaqués, on coneix Dalí, de qui s’enamora i amb qui comença una vida en comú. S’exilien vuit anys als Estats Units i a la tornada viuen entre Portlligat, Nova York i París.
L’exposició explorarà la vida d’aquesta dona enigmàtica i intuïtiva, que es va relacionar amb molts artistes i intel·lectuals. Mundialment coneguda per ser la dona de Salvador Dalí, la seva musa i la protagonista d’algunes de les seves pintures, assistirem a la transformació de Gala en artista de ple dret, ja que la parella va iniciar una cooperació artística, que va significar l'autoria compartida d’algunes obres.«
Museum Ludwig, Köln
18. Nov. 2017 – 11. März 2018
»Mit der groß angelegten Ausstellung von James Rosenquist (*1933) stellt das Museum Ludwig erstmals die Werke dieses bekannten Künstlers der amerikanischen Pop Art dezidiert im Kontext ihrer kulturellen, sozialen und politischen Dimension vor. In der Zusammenschau mit teilweise noch nie öffentlich präsentierten Archivunterlagen und vom Künstler als Quellenmaterial bezeichneten Dokumenten wird ein historischer Kosmos erschlossen. Denn die Bildfindungen von James Rosenquist resultieren in großem Maße aus seinem ausgesprochenen Interesse an den politischen Ereignissen seiner Zeit.«
Smithonian, American Art Museum, Washington DC
3. Nov. 2017 – 18. März 2018
Rufino Tamayo’s lushly colored paintings portraying modern Mexican subjects earned him widespread acclaim as an artist who balanced universal themes with a local sensibility. Tamayo (1899-1991) was drawn to New York City in the early twentieth century at a time when unparalleled transatlantic cross-cultural exchange was taking place. While living in New York, intermittently from the late 1920s to 1949, Tamayo engaged with the new ideas expressed in the modern art that he saw in museums and galleries. Tamayo: The New York Years is the first exhibition to explore the influences between this major Mexican modernist and the American art world.
The Dali Museum, St. Petersburg, Florida
18. Okt. 2017 – 18. Jan. 2018
»Dali and Schiaparelli – presented in collaboration by The Dali Museum and Schiaparelli Paris – will feature haute couture gowns and accessories, jewelry, paintings, drawings, objects and photos, as well as new designs by Bertrand Guyon for Maison Schiaparelli. This will be the first exhibition dedicated to the creative relationship and works of Elsa Schiaparelli and Salvador Dali – friends and collaborators that set Paris and the world ablaze with their groundbreaking visions.
Elsa Schiaparelli was regarded as the most prominent figure in fashion between the two World Wars. Her designs deliberately subverted traditional notions of women’s roles and beauty, embracing and exaggerating the transgressive nature of fashion. Schiaparelli explored bold Surrealistic themes in her designs, heavily influenced by artists, especially Dali, with whom she often collaborated. The vibrant colors, experimental fabrics and elegant handmade decorations set her apart from other designers of the 1920s and 1930s. Some of the most notable clients for Schiaparelli’s haute couture designs included the Duchess of Windsor, Wallis Simpson; heiress Daisy Fellowes; and actresses Mae West and Marlene Dietrich…«
Musée national des beaux-arts du Québec
12. Okt. 2017 – 7. Jan. 2018
Canadian painter Jean-Paul Riopelle (1923–2002) and American painter Joan Mitchell (1925–1992) are, like Auguste Rodin and Camille Claudel, Man Ray and Lee Miller, Diego Rivera and Frida Kahlo, Jackson Pollock and Lee Krasner, part of the constellation of romantic and artistic mythologies that are as tumultuous as they are prosperous, between admiration and abhorrence, emulation and jealously, solitude and accomplishment.
For the first time, an exhibition is examining their respective artistic careers in terms of their relationship, from the time they met in 1955, to their separation in 1979. Some 60 major works stemming from their work and their love story, will be assembled.
Museo Picasso Málaga
10. Okt. 2017 – 28. Jan. 2018
»… the exhibition We are Completely Free. Women Artists and Surrealism will provide a panoramic view of the new creative horizons that were opened up by women artists in the context of early Surrealism. A large selection of works will show the emergence of a new sensitivity that stood in contrast to patriarchal society.
Curated by professor José Jiménez, professor of aesthetics and art theory at Universidad Autónoma de Madrid, the aim of the exhibition is to give due acknowledgement to this group of artists, whose work achieved an outstanding degree of consistency and international recognition. They include: Eileen Agar, Claude Cahun, Leonora Carrington, Germaine Dulac, Leonor Fini, Valentine Hugo, Frida Kahlo, Dora Maar, Maruja Mallo, Lee Miller, Nadja, Meret Oppenheim, Kay Sage, Ángeles Santos, Dorothea Tanning, Toyen, Remedios Varo and Unica Zürn…«
Dalí / Duchamp
Royal Academy of Arts, London
7. Okt. 2017 – 7. Jan. 2018
The Dali Museum, St. Petersburg, Florida
Febr. 2018 – Mai 2018
»Take another look at two artistic giants: father of conceptual art Marcel Duchamp, and larger-than-life Surrealist Salvador Dalí. This is the first exhibition to throw light on their surprising relationship and its influence on the work of both artists.
On the surface, these two great 20th-century artists could hardly be more dissimilar, but Dalí and Duchamp maintained a lasting bond of friendship and mutual admiration throughout their careers.
What fuelled this seemingly unlikely friendship was deeper than their shared artistic interests – amongst them eroticism, language, optics and games. More fundamentally, the two men were united by a combination of humour and scepticism which led both, in different ways, to challenge conventional views of art and life.
This original exhibition brings together around 60 works, including some of Dalí’s most inspired and technically accomplished paintings and sculptures, and Duchamp’s groundbreaking assemblages and readymades. But it will also showcase the less familiar: photographs by Dalí, paintings by Duchamp, correspondence and collaborations between the two artists.
Presented as a conversation taking place through art, this focused exploration offers fresh ways of looking at two figures, radically revising their familiar places in art history. Through the lens of their intriguing friendship, visitors will gain a new perspective on two equally inventive, intelligent and irreverent minds.«
Fondation Beyerler, Riehen b. Basel
1. Okt. 2017 – 21. Jan. 2018
»Die Ausstellung widmet sich einem bis jetzt noch kaum untersuchten Aspekt in Paul Klees Schaffen – der Abstraktion. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts wird die Abkehr vom Gegenständlichen und die Entwicklung abstrakter Kunst zu einem Hauptthema für viele europäische Künstler. Auch der Schweizer Künstler Paul Klee wendet sich dieser Herausforderung zu: In seinem fast 10.000 Arbeiten umfassenden Oeuvre lassen sich – vom Früh- bis zum Spätwerk – überaus spannende Beispiele für die Entwicklung abstrakter Bildwelten sowie für Abstraktionsprozesse in der Malerei beobachten. Die wichtigsten Aspekte in Klees ungegenständlichen Werken sind dabei in seinem ganzen Schaffen von zentraler Bedeutung: Natur, Architektur, Musik und Schriftzeichen.
Die Ausstellung mit retrospektivem Charakter umfasst rund 100 Werke des Künstlers aus allen Schaffensphasen – beginnend mit dem Jahr 1913 – und versammelt wertvolle Leihgaben aus zahlreichen renommierten Institutionen und Privatsammlungen in Europa und Übersee. Neben den Hauptwerken werden bis jetzt nur selten ausgestellte Arbeiten gezeigt, die den Künstler in einem überraschend neuen Licht erscheinen lassen…«
Galerie von Vertes, Zürich
21. Aug. – 15. Sept. 2017
»Der Gründer Laszlo von Vertes konzipierte die Galerie als eine internationale Ausstellungsplattform die sich auf Fauvismus, Expressionismus, Surrealismus, École de Paris, Pop Art und zeitgenössische Kunst fokussiert. Aus der zentral gelegenen Bahnhofstrasse in Zürich betreut die Galerie namhafte private und internationale Sammlungen weltweit, sie organisiert Ausstellungen und veranstaltet Lesungen über Kunst und Kunstmarkt verwandte Themen. ‚Mit Galerie von Vertes habe ich versucht einen demokratischen Raum zu schaffen, der Erforschung und Verständnis für die Vielseitigkeit der Kunst und deren Macher mitbewirkt’…«
Ex fabbriche di San Francesco
4. Aug. – 3. Sept. 2017
»Wolfgang Lettls zweite Heimat war Manfredonia in Apulien (Italien). Dort verbrachte er von 1972–2005 jährlich bis zu 9 Monate in seinem Haus am Meer. Es entstanden dort zunächst einige impressionistische Bilder, ab 1986 aber auch zahlreiche seiner surrealen Bilder. Durch seine Aufenthalte in Apulien hat sich nicht nur der Umgang mit der Farbe, mit Licht und Schatten verändert, sondern nach und nach drangen auch Bilder und Erlebnisse des Südens Italiens in sein Unterbewusstes und tauchten in seinen surrealen Bildern auf.
Die Ausstellung im August in in Manfredonia ist eine Würdigung der Stadt an den großen Künstler. Es werden ca. 70 Bilder gezeigt.«
Staatsgalerie Stuttgart
14. Juli – 5. Nov. 2017
»‚Pop ist love, denn es akzeptiert alles … Pop ist die Bombe werfen. Es ist der amerikanische Traum, optimistisch, generös und naiv …’ (Robert Indiana). In den 1960er- und 1970er-Jahren entwickelte sich Pop zu dem Lebensgefühl einer ganzen Generation. Über den Kunstbereich hinaus wurde Pop weltweit zu einem historischen, politischen und gesellschaftlichen Phänomen.
Begleitend zu ‚The Great Graphic Boom’ präsentieren wir im Graphikkabinett in der Ausstellung ‚Pop Unlimited’ ausgewählte Werke amerikanischer Pop Art. Neben Hauptvertretern wie Jim Dine, Mel Ramos und Andy Warhol werden auch Graphiken der Wegbereiter wie Nicholas Krushenick, Jasper Johns und Robert Rauschenberg gezeigt. Alle Arbeiten auf Papier stammen aus dem eigenen Bestand. Bis auf wenige Ausnahmen waren sie seit Jahrzehnten nicht mehr zu sehen. Die Siebdrucke und Lithographien bilden einen Querschnitt durch die Entwicklung der Pop Art-Bewegung. Das Triviale wurde zum Mittelpunkt des künstlerischen Interesses; Motive aus der Alltagskultur sowie der Konsum- und Warenwelt erhielten eine neue Bildwürdigkeit. Der Subjektivität und emotionalen Bewegtheit des Abstrakten Expressionismus setzten die Pop Art-Künstler eine objektive, konzeptionelle Systematik entgegen…«
Atelier des Forges, Arles/FR
3. Juli – 24. Sept. 2017
»Le Centre Pompidou fête ses 40 ans en 2017 partout en France. Pour partager cette célébration avec les plus larges publics, il propose un programme inédit d’expositions, de prêts exceptionnels, de manifestations et d’événements pendant toute l’année.
C'est dans ce cadre que s'inscrit l'exposition Le Spectre du surréalisme. Car le surréalisme est toujours vivant, même s’il mène une vie parfois souterraine – c’est le constat qu’on peut faire en observant la photographie contemporaine ou, plus largement, celle de l’après 1945. Conçue à partir des collections photographiques du Centre Pompidou, l’exposition revient sur quelques-uns des thèmes qui sont nés de la rencontre du surréalisme et de la photographie. Elle montre comment les artistes de l’après-guerre ont puisé dans la sensibilité surréaliste et illustre la façon dont ils ont adapté à leurs fins le rapport des surréalistes à la réalité, poursuivant l’abolissement des règles artistiques et poussant jusqu’au bout le jeu de l’absurde, tout en mettant l'accent sur les enjeux politiques contemporains. Par-delà la continuité chronologique, l’exposition fait dialoguer entre eux des projets artistiques en apparence lointains mais qui résultent de stratégies très proches.«
Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Köln
23. Juni – 10. Sept. 2017
»Sie war eine der ersten promovierten Kunsthistorikerinnen in Deutschland, leitete das Wallraf-Richartz-Museum im ersten Weltkrieg, mischte als Dadaistin die etablierte Kölner Kunstszene auf, war elf Jahre vor den Nazis auf der Flucht, die sie 1944 in Ausschwitz ermordeten – und doch ist Luise Straus- Ernst, diese starke Frau mit dem bewegten Leben, vielen nur als die erste Ehefrau von Max Ernst bekannt. Dieser ungleichen Wahrnehmung setzt das Wallraf nun eine eigene Ausstellung entgegen. Dafür rekonstruiert das Museum die 1917 von Straus-Ernst an ihrer ehemaligen Wirkungsstätte, dem ‚Museum Wallraf-Richartz’, gezeigte Sonderschau Alte Kriegsdarstellungen – Graphik des 15. bis 18. Jahrhunderts.
Mit rund 120 Blättern von Meistern wie Dürer, Goltzius und Callot widmete sie sich einem damals wie heute brisanten Thema und versprach den Besuchern im begleitenden Katalog ‚einen knappen Überblick über die Kriegsdarstellungen in der graphischen Kunst’. Aber die Schau war keine Jubelausstellung, die die schwindende Kriegseuphorie des deutschen Volkes wieder entfachen sollte. Im Gegenteil: Die stummen Blätter zeigten und zeigen den Krieg als menschliche Katastrophe, ungeschönt und in all seiner Nachdrücklichkeit…«
Whitney Museum of American Art, New York
9. Juni – 16. Okt. 2017
»Calder: Hypermobility focuses on the extraordinary breadth of movement and sound in the work of Alexander Calder. This exhibition brings together a rich constellation of key sculptures and provides a rare opportunity to experience the works as the artist intended—in motion. Regular activations will occur in the galleries, revealing the inherent kinetic nature of Calder’s work, as well as its relationship to performance and the theatrical stage. Influenced in part by the artist’s fascination and engagement with choreography, Calder’s sculptures contain an embedded performativity that is reflected in their idiosyncratic motions and the perceptual responses they provoke…«
Ubu Gallery, New York
5. Juni – 28. Juli 2017
»Ubu Gallery is pleased to announce an exhibition of photographic images by thirty-three avant-garde artists who experimented with surrealist methods. Utilizing techniques including photomontage, multiple exposures, combined negatives, brülage, photograms and the disarming juxtaposition of disparate images, the artists created unsettling realities. The artists embraced photography as a new medium in the 20th century in part because of the credibility of photography; the idea that the camera does not lie, lent itself to challenging our assumptions about reality…«
Musée d’art moderne de la Ville de Paris
2. Juni – 29. Okt. 2017
»Jamais confrontés, leurs regards se rejoignent par la même exigence de ce que doit être l’œuvre d’art. Tous trois partagent un fort désir de modernité, s’intéressent passionnément à la peinture ancienne et à l’art des civilisations lointaines tout en étant fascinés par « les forces obscures de la matière » (Derain) et plus largement par une attention aigue portée à la réalité « merveilleuse, inconnue » qu’ils ont sous les yeux (Giacometti). Bien au-delà d'une admiration réciproque et d'une véritable affection dont ils témoigneront tout au long de leur vie, la profonde communauté esthétique qui les réunit constitue le fil conducteur de l'exposition.
L’exposition présente une sélection exceptionnelle de plus de 350 œuvres (peintures, sculptures, œuvres sur papier et photographies), principalement centrée sur les années 1930 à 1960. Elle permet de revoir la part la plus importante de l’œuvre de Derain qui n’a pas été présentée à Paris depuis plus de vingt ans avec la rétrospective en 1995 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, de revoir Balthus, (depuis 1983 la rétrospective du Musée National d’art moderne-Centre Pompidou) tout en portant un nouveau regard sur Giacometti…«
Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen
28. Mai 2017 – 7. Jan. 2018
»Als Patronatsmuseum des Avantgarde-Bildhauers Hans Arp ist das Remagener Arp Museum Bahnhof Rolandseck mit seinem lichtdurchfluteten Neubau von Star-Architekt Richard Meier ein idealer Ausstellungsort für raumgreifende Skulpturen. 2017 feiert das Museum sein 10jähriges Jubiläum und zeigt zu diesem Anlass einen der bedeutendsten Bildhauer der Moderne: Henry Moore (1898–1986).
Auf drei Ausstellungsetagen sowie im Außenraum des Museums erkundet das Arp Museum in Kooperation mit der Henry Moore Foundation das facettenreiche und prägende Schaffen des britischen Ausnahmekünstlers. Am Rhein beginnend zieht sich die Präsentation bis zu 9 Meter breiter und bis zu 3 Meter hoher Großplastiken über den Museumsvorplatz durch den Gebäudekomplex bis hoch in den Neubau auf der Rheinhöhe. Im Zentrum stehen dabei die monumentalen Außenskulpturen Moores, die erstmals auch im Innenraum präsentiert werden. In zwei ergänzenden Präsentationen wird der Blick auf Moores Werk noch erweitert: Im Wechselspiel mit Gemälden und Skulpturen alter Meister aus der Sammlung Rau für UNICEF folgen wir seinem ausgeprägten Interesse an der Kunst der italienischen Gotik. Ein Dialog mit Werken Hans Arps dagegen beleuchtet Gemeinsamkeiten und Unterschiede dieser beiden abstrakten bildhauerischen Positionen, die Maßstäbe setzten für die weitere Entwicklung der modernen Plastik. In Bonn wurde 1979 vor dem ehemaligen Bundeskanzleramt Henry Moores monumentale Skulptur ‚Large Two Forms’ aufgestellt. Die Ausstellung widmet sich auch der Entstehungsgeschichte dieses Werkes. Durch die politische Berichterstattung war es über viele Jahrzehnte die wohl am häufigsten im Fernsehen gezeigte Skulptur Deutschlands…«
Art Institute Chicago (Galleries 125–127)
27. Mai – 29. Okt. 2017
»Saul Steinberg (American, born Romania, 1914–99) had one of the most remarkable and varied careers in postwar American art. While known for the drawings that graced the cover of the New Yorker for nearly six decades, he was equally acclaimed for the drawings, paintings, prints, collages, and sculptures he exhibited in galleries and museums throughout the world. Through these parallel careers—cartoonist and independent artist—Steinberg crafted a rich and ever-evolving idiom and, in the process, became celebrated the world over for giving graphic definition to the postwar age.
Steinberg defined drawing as ‚a way of reasoning on paper,’ and he remained committed to the act of drawing in an era dominated by large-scale painting and sculpture. Throughout his long career, he used drawing to think about the semantics of art, reconfiguring stylistic signs into a new language suited to modern life. He was, as the title of one of his books puts it, the ‚inspector,’ seeing through every false front, every pretense. Sometimes with affection, sometimes with irony, but always with virtuoso mastery, Steinberg peeled back the carefully wrought masks of 20th-century civilization…«
Art Center Sarasota, Florida
25. Mai – 30. Juni 2017
»Showcasing hundreds of emerging and established artists in curated and juried exhibitions.
This season will bring recognition to the talented, professional artists of today who are making Sarasota famous as a cultural destination and revitalizing the visual arts community, showing the world that Sarasota is a destination for people seriously interested in contemporary visual arts.«
The Museum of Modern Art (MoMA), New York
21. Mai – 17. Sept. 2017
»In 1959, Robert Rauschenberg wrote, ‚Painting relates to both art and life. Neither can be made. (I try to act in that gap between the two.)’ His work in this gap shaped artistic practice for decades to come.
The early 1950s, when Rauschenberg (1925–2008) launched his career, was the heyday of the heroic gestural painting of Abstract Expressionism. Rauschenberg challenged this tradition with an egalitarian approach to materials, bringing the stuff of the everyday world into his art. Working alone and in collaboration with artists, dancers, musicians, and writers, he invented new, interdisciplinary modes of artistic practice that helped set the course for art of the present day. The ethos that permeates Rauschenberg’s work—openness, commitment to dialogue and collaboration, and global curiosity—makes him, now more than ever, a touchstone for our troubled times.
Robert Rauschenberg: Among Friends, the first 21st-century retrospective of the artist, presents work from six decades of his widely celebrated career in fresh ways, bringing together over 250 paintings, sculptures, drawings, prints, photographs, and sound and video recordings. Acclaimed artist and filmmaker Charles Atlas is collaborating on the exhibition’s design to foreground Rauschenberg’s work with dance and performance. MoMA’s presentation is structured as an ‚open monograph’—as other artists came into Rauschenberg’s creative life, they come into the exhibition, mapping the exchange of ideas. These figures include John Cage, Merce Cunningham, Sari Dienes, Jasper Johns, Billy Klüver, Yvonne Rainer, Paul Taylor, David Tudor, Cy Twombly, Susan Weil, and many others…«
Gerisch-Stiftung, Neumünster
21. Mai – 24. Sept. 2017
»In Zusammenarbeit mit dem Sprengel Museum Hannover werden ca. 50 Werke dieser außergewöhnlichen franko-amerikanischen Künstlerin in der Herbert Gerisch-Stiftung in Neumünster gezeigt.
Niki de Saint Phalle, die sich selbst als ‚Terroristin der Kunst’ bezeichnete, sorgte mit ihren begehbaren Großskulpturen der Nanas bereits in den fünfziger und sechziger Jahren für weltweite Aufmerksamkeit. Ihr autobiografisches Werk wird mit exemplarisch wichtigen Arbeiten aus allen Schaffensphasen in den Räumen der Villa Wachholtz und der Gerisch-Galerie vertreten sein, angefangen von den frühen Familienbildern über die berühmten Schießbilder bis hin zu den fröhlichen, der Weiblichkeit huldigenden Nanas. Auch die Modelle des Tarotgartens, dem Lieblingsprojekt der Künstlerin aus den letzten 20 Jahren ihres Lebens, werden gezeigt…«
Tate Modern, London
10. Mai – 10. Sept. 2017
»One of the few artists of the last century whose work is often more recognisable than his name, his distinctive elongated figures are inescapably linked to the post-War climate of existential despair.
This exhibition will focus on the influences that shaped Giacometti and the experimental way in which he developed his practice. The exhibition includes some never before seen plasters and drawings alongside more familiar bronze sculptures and oil paintings.
Tate has been given unparalleled access to the Fondation Alberto et Annette Giacometti’s extraordinary collection and archive. From his first works of art through his Surrealist compositions, to the emergence of his mature style, Giacometti has rarely been explored this fully.«
Museum für Gegenwartskunst Siegen
7. Mai – Dez. 2017
»Francis Bacon (1909–1992) gilt als einer der bedeutendsten Maler des 20. Jahrhunderts. Als Autodidakt begann er in den 1920er Jahren mit der Malerei. Inspiriert von Pablo Picasso, Van Gogh oder Velázquez schuf er melancholisch-aggressive Werke von enormer Präsenz und Wirkung.
Zerrissenheit, Isolation und Gewalt sind die Themen, mit denen sich der irische Maler Francis Bacon beschäftigte. Mit dem Erwerb des großformatigen Gemäldes „Portrait“ von 1962 gelingt es der Sammlung Lambrecht-Schadeberg die repräsentative Werkgruppe abermals zu erweitern. Mit nun insgesamt sechs zentralen Gemälden beherbergt das Museum für Gegenwartskunst in Siegen jetzt eine der wichtigsten Bacon-Sammlungen in Europa…«
Museo Picasso Málaga
26. April – 17. Sept. 2017
»Bacon, Freud and the School of London will present the work of a group of prominent painters who shared similar concerns in the representation of the human figure, their immediate surroundings and everyday life. They were mostly active in the second half of the twentieth century and London is the city where they studied and met. By painting the human figure and the everyday landscape they inhabited, these artists conveyed the fragility and vitality of the human condition. They simultaneously developed new approaches and styles, translating life into art and reinventing the way in which life is represented.
The curator of this exhibition, Elena Crippa, stated: “for a long time, their work appeared to clash with the prevailing artistic discourse, but over the last few decades their art has been reassessed and granted a central position as part of a fuller and more complex understanding of art and culture from the post-World War II period”. Alongside major works by Francis Bacon and Lucian Freud, the exhibition will include paintings and drawings by Michael Andrews, Frank Auerbach, David Bomberg, William Coldstream, R. B. Kitaj, Leon Kossoff, Paula Rego and Euan Uglow…«
Philadelphia Museum of Art, Philadelphia
22. April – 6. Sept. 2017
»Francisco Goya witnessed decades of political turmoil and social upheaval as court painter to four successive rulers of Spain. Among his greatest achievements were four series of etchings that chronicle the transformation of Spanish society and his own personal visions: Los Caprichos (The Caprices), Los Desastres de la Guerra (The Disasters of War), La Tauromaquia (Bullfighting), and Los Disparates (The Follies). Near the end of his life, Goya also produced a set of four grand lithographs known as the Bulls of Bordeaux. This exhibition highlights prints from each series, exploring the imagery and techniques that make Goya one of the greatest graphic artists of all time.
From the chaos of war to the spectacle of the bullfight, the prints in the exhibition show Goya’s remarkable ability to move between documentary realism and expressive invention. Unlike his commissioned paintings, his graphic works allowed him the freedom to explore provocative subjects such as prostitution, witchcraft, and political corruption. This exhibition also highlights how Goya pushed the limits of printmaking to heighten the expressive effect of his subjects…«
Kunstmuseum Bern
13. April – 9. Juli 2017
»Zum 100. Jahrestag der russischen Oktoberrevolution von 1917 widmen das Zentrum Paul Klee und das Kunstmuseum Bern diesem Ereignis die Ausstellung ‚Die Revolution ist tot. Lang lebe die Revolution!’. Die einzige Ausstellung im Revolutionsjahr, die sowohl den Ausgangspunkt – die Abstraktion als künstlerische Idee und die ästhetische Revolution im Konstruktivismus – zeigt, als auch die Auswirkungen der Revolution auf die Darstellung der Realität in der Kunst und die kritische Auseinandersetzung mit ihr.
Von Malewitsch bis Judd
Die Ausstellung im Zentrum Paul Klee ist dem revolutionären bildnerischen Geist des russischen Suprematismus und Konstruktivismus sowie den Folgen für die Kunst des 20. Jahrhunderts gewidmet. Kasimir Malewitsch, der Begründer des Suprematismus, sowie die russischen Konstruktivisten um Wladimir Tatlin und Alexander Rodtschenko veränderten mit ihrem Durchbruch zur geometrischen Abstraktion und zur Konstruktion die Kunst radikal. Die russische Avantgarde inspirierte künstlerische Bewegungen und Positionen des 20. und 21. Jahrhunderts wie die Avantgarde in Südamerika, die amerikanische Minimal Art und die Konzeptkunst der 1960er- und 1970er- Jahre nachhaltig. Ihr kommt das Verdienst der revolutionären Kunst auch heute noch mit Recht zu…«
Museo de Arte Moderno, Mexico-Stadt
8. April – 16. Juli 2017
»… Dicha exhibición, dividida en cuatro núcleos: Nació Dadá, El surrealismo, Guerra y paz y L’Aubette, ofrece un recorrido panorámico por las siempre sorprendentes vertientes de la obra de Arp. Se muestran cerca de 60 piezas provenientes de las colecciones de la Fondation Arp de Clamart, así como del Musée d’Art Moderne de Estrasburgo, el Musée d’Art Moderne-Centre Georges Pompidou y la Galerie Thessa Herold de París.
El conjunto comprende 27 relieves y esculturas de mediano y pequeño formato en bronce, yeso, piedra, latón y madera, fechados entre 1930 y 1965; pintura al óleo de gran tamaño, tintas y gouaches sobre papel recortado, collages, papeles desgarrados, cuatro tapices de pequeño a gran formato, 20 grabados y una amplia selección de libros de Arp o ilustrados por él.
Hans Arp, nacido en 1886 en Alsacia, que entonces era territorio alemán, fue colaborador cercano pero independiente del surrealismo y pionero de la escultura biomórfica (técnicas del automatismo y reminiscencias oníricas combinadas con estructuras orgánicas) que él basa en el círculo-ombligo, entendido en el sentido arcaico del origen del mundo…«
Museo de Arte Moderno, Mexico-Stadt
8. April – 24. Sept. 2017
»Arp se complementa con la exposición Analogías escultóricas. Colección MAM, que busca establecer los vasos comunicantes entre este creador franco alemán y el desarrollo de la escultura moderna en México.
La selección de 45 esculturas (tres de colecciones privadas) y 26 documentos del archivo MAM converge en temas universales que, desde lo tridimensional, se metamorfosean: la figuración se va despojando del realismo hasta derivar en formas orgánicas y geométricas abstractas.
Estos ejercicios son fruto de la herencia escultórica nacional, y protagonistas del proceso de valoración y establecimiento de la escultura moderna en nuestro país, cuyos antecedentes se remontan al Salón de la Plástica Mexicana y los Salones Anuales de Escultura en los años 50, o bien a las Bienales Nacionales de esta disciplina a lo largo de los 60…«
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
5. April – 4. Sept. 2017
»Coincidiendo con el 80 aniversario de la primera vez que se expuso Guernica, el Museo Reina Sofía presenta en abril de 2017 la muestra Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica. La exposición aborda la visión que proyectó Picasso sobre la guerra moderna – guerra desde el aire, muerte en la distancia, cuyo objetivo era la destrucción de poblaciones enteras – así como la singular iconografía de agonía, perplejidad y horror que este tipo de violencia trae consigo. En concreto, se centra en las raíces del imaginario de Guernica que podemos encontrar en obras previas del pintor, realizadas en los años posteriores a 1925, donde ya aparecen escenas de acción frenética y extática, a menudo rodeadas de un halo de peligro y que presentan situaciones de violencia explícita: bailes desaforados, feroces enfrentamientos entre el artista y la modelo, monstruosos forcejeos de índole sexual en la playa, o mujeres atrapadas en sillones con la boca abierta en un grito o rugido salvaje. Picasso trató esta temática en varias ocasiones. Decía que en sus cuadros de desnudos el sillón simbolizaba la muerte yacente que aguarda a la belleza; y cuando le preguntaron por la tristeza y la ansiedad que acechaban los cuadros de Dora Maar, replicó abruptamente que la mujer no era más que ‚una máquina de sufrimiento’, una declaración que algunos entendieron como compasiva y otros, como arrogante. Sin duda, en Guernica la compasión ganó la batalla. Asimismo, cabe destacar que en el cuadro la violencia ‚no’ es parte de un baile sexual en el que la agresión y la sumisión se mezclan con el deseo y el placer. Sin embargo, en el conjunto de la obra de Picasso a menudo sí se produce esa fusión. En este sentido, la exposición busca explorar las profundas ambivalencias en las que incurrió el artista en el tratamiento de la violencia y la sexualidad…«
Albertina, Wien
5. April – 25. Juni 2017
»Angeli ist bis heute der jüngste Künstler, der im 20er Haus eine Retrospektive erhalten hat (1975). Seit damals arbeitet der Wiener Maler konsequent an einem einzigen Thema: der Leere des Raumes. Die Melancholie als Grundstimmung begleitet die farbintensiven und lichtvollen Pastelle der 70er und 80er-Jahre ebenso wie die dunkel-düsteren Bilder, die Angeli ab den späten 90ern vorrangig in Venedig geschaffen hat. Stumme Zeugen einer untergehenden Welt, in der Einsamkeit und Leere ebenso bedrohlich wie utopisch wirken – angesichts eines Lebens voll der Zerstreuung und des Lärms.
Anlässlich des 75. Geburtstags des Österreichers zeigt die Albertina eine großangelegte Retrospektive seines Œuvres: Rund 100 Gemälde und Grafiken zeichnen den künstlerischen Weg Angelis von 1967 bis zur Gegenwart nach und entführen in seine von klaren Architekturelementen, ungewöhnlichen Perspektiven und unheimlichen Lichtsituationen geprägten (Farb-)Räume…«
Leopold-Hoesch-Museum, Düren
2. April – 2. Juli 2017
»Die Ausstellung … zeigt zum ersten Mal, wie fasziniert die Künstlerin vom Theater war und welche Wende ihr Werk dadurch nahm. Bislang blieb unerkannt, welche Rolle das Theater für Niki de Saint Phalles (1930–2002) Kunst nach 1968 hatte. Diese Art der der Zusammensetzung ihrer Arbeiten eröffnet letztlich eine neue Perspektive auf das Gesamtwerk und insbesondere auf den großen Zyklus, den sie zum Thema Liebe entwickelte.
Gemeinsam hatte de Saint Phalle mit den Kunstschaffenden der New Yorker Avantgarde, den Nouveaux-Réalistes in Paris und den Theaterpionieren in Kassel in den 1960er-Jahren den Wunsch, der Kunst mannigfaltige Möglichkeiten zu geben.
1966, nachdem die Künstlerin mit einer begehbaren, liegenden und bunt bemalten Frauenfigur im Moderna Museet in Stockholm ihr erstes Großprojekt schuf, wurde sie vom Theaterregisseur Rainer von Diez nach Kassel eingeladen, um Bühnenbild und Kostüme für seine Inszenierung der Lysistrata von Aristophanes am Staatstheater zu entwerfen. Schnell identifizierte sich Niki de Saint Phalle mit dem Stück, in dem sich Frauen aus ganz Griechenland gegen ihre Männer und den Krieg verschwören…«
Philadelphia Museum of Art, Philadelphia
1. April – 3. Dez. 2017
»The curious story behind one of the most notorious works of modern art
One hundred years ago, Duchamp’s Fountain turned the art world upside down. Was it art? A hoax? Join us as we celebrate the centennial of the provocative and influential work that changed the course of modern art. Learn the story of Fountain, with period photographs, publications, and more of the artist’s readymades from our unrivaled Duchamp collection.«
Lindauer Stadtmuseum
1. April – 27. Aug. 2017
»Der in der Schweiz geborene Paul Klee (1879–1940) gilt als einer der wichtigsten Wegbereiter der modernen Kunst und ging als Malerpoet mit einer unverwechselbaren Bildsprache in die Kunstgeschichte der Klassischen Moderne ein.
Das überaus facettenreiche Werk dieses feinsinnigen, musikalisch hochbegabten und als Bauhaus- und Akademieprofessor erfolgreichen Künstlers offenbart eine überbordende motivische und thematische Fülle sowie vielstimmig komponierte Harmonien aus Farben und Formen. Dabei war Klee kein exzentrisches Künstlergenie sondern ein philosophisch und mit ironischer Distanz auf die Welt blickender Charakter.
Mit der geplanten Schau setzt der Kurator Prof. Dr. Roland Doschka im Jahr 2017 seine Serie zur Klassischen Moderne im Stadtmuseum Lindau fort, die bisher rund 350.000 Besucher zählen konnte.
Wie bei den vergangenen Projekten (Picasso, Chagall, Miró, Matisse, Nolde) erlauben Leihgaben aus bedeutenden europäischen Privatsammlungen, Museen und Kunststiftungen einen breit gefächerten Blick auf das Werk eines Hauptvertreters der künstlerischen Avantgarde des 20. Jahrhunderts…«
Museum Oskar Reinhart, Winterthur/CH
31. März – 30. Juli 2017
»Francisco de Goyas druckgraphisches Werk gehört zu den bedeutendsten der Kunstgeschichte an der Schwelle zur Moderne. Die vor rund 200 Jahren entstandenen Graphiksuiten, die wegen ihres brisanten Inhalts zum Teil erst nach seinem Tod veröffentlicht wurden, fesseln die Betrachter noch heute. Dabei kann das Museum Oskar Reinhart auf seine umfassenden druckgraphischen Bestände zurückgreifen, die alle drei wichtigen Zyklen Goyas umfassen. Neben den berühmten Caprichos sind dies die späte Serie La Tauromaquía mit Stierkampfszenen sowie die Folge Desastres de la Guerra, die in ihrer ungeschönten Darstellung des Krieges auch heute nicht an Aktualität verloren hat. Sie sind Ausdruck eines persönlichen, künstlerischen Umgangs mit den wechselvollen Zeiten in einem Land, das zwischen dem Wunsch nach Selbstbestimmung und reaktionärer Vergeltung schwankte…«
Fundació Jean Miró, Barcelona
31. März – 2. Juli 2017
»Éluard, Cramer, Miró - «À toute épreuve», more than a book reconstructs the creative process behind Miró’s book based on a collection of poems by Paul Éluard with the same title. The exhibition is part of the Miró. Documents series, whose aim is to use the Fundació’s archive to further explore certain aspects of Miró’s work.
The layout and execution of À toute épreuve is a reflection of Miró's connection with the poets of the 1920s, which led to major transformations in his visual language. With this book, published by Gérald Cramer in 1958, Miró fulfilled his wish to venture beyond illustrating the poet's words and end up creating an object.«
Bibliothèque nationale de France, François-Mitterrand / Galerie 1, Paris
28. März – 16. Juli 2017
»Créateur inlassable, Roland Topor (1938–1997) mit son crayon au service d’un imaginaire débridé : dessins d’humour, illustrations pour la presse et l’édition, affiches, films d’animation, émissions de télévision, décors et costumes de théâtre. Topor fut en outre l'auteur de romans, de nouvelles, de pièces de théâtre, de chansons et de scénarii de films. Son oeuvre trouve son aboutissement dans l’édition, car il considérait que son public ne devait pas se limiter aux seuls collectionneurs et amateurs d’art.
Organisée vingt ans après sa disparition, cette exposition rétrospective propose de faire découvrir la variété de la production artistique de Topor. Elle mettra en vis-à-vis un grand nombre de dessins originaux, provenant essentiellement de collections privées, et des éditions conservées dans les fonds de la BnF.
Elle rendra ainsi hommage à l’artiste hors-norme, au génie graphique et à l’homme d’esprit à l’humour subversif que fut Roland Topor.«
Heide Museum of Modern Art, Heide III: Albert & Barbara Tucker Gallery, Bulleen, Victoria/AU
25. März – 27. Aug. 2017
»Albert Tucker and Fred Williams painted the spectacular surrounds of the Springbrook rainforest while holidaying there together in 1971. The Australian landscape had been a creative focus for both of them for over a decade, each having found a new appreciation for the local environment after spending time away from their homeland. Tucker, the elder by thirteen years, lived and travelled extensively overseas from 1947 until 1960, while Williams based himself in London between 1952 and 1956.
In the late 1960s the two artists began visiting each other’s studios and established a rapport. By then Tucker and his wife Barbara were settled on a bush-block in rural Hurstbridge on the outskirts of Melbourne. Their passion for the environment and its conservation had also led them to buy a tract of pristine rainforest at Springbrook in the Gold Coast hinterland, a place of natural beauty and significance. They invited Fred and Lyn Williams and their three children to join them there in August 1971, when the family was making a road trip to Brisbane for an exhibition of Williams’s gouaches.«
Kunsthalle Bremen
22. März – 9. Juli 2017
»Franz Radziwill (1895–1983) gilt in der deutschen Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts als Einzelgänger, sein Werk ist unverkennbar. Erstmalig wird nun seine Beziehung zur Hansestadt Bremen in einer Ausstellung untersucht: Er verbrachte in Bremen prägende Jahre seiner Kindheit und Jugend, die in seinem gesamten Werk Spuren hinterließen.
Zeitlebens bannte Radziwill typische Orte, prägnante Bauwerke oder bedeutende Ereignisse in seiner Heimatstadt auf Papier und Leinwand. Mit etwa vierzig Werken aus der Zeit von 1910 bis 1960 spannt die Ausstellung einen Bogen vom expressionistischen Frühwerk über Meisterstücke der Neuen Sachlichkeit und des Magischen Realismus bis hin zu fantastischen Bilderfindungen des gereiften Œuvres. Zugleich bietet die Schau einen spannenden Blick in die Bremer Stadtgeschichte – mit Darstellungen des Waller Wasserturms, des Gasometers mit Speckflaggenmuster oder des Schnelldampfers Bremen als Symbole hanseatischer Erfolgsgeschichten.
Radziwill knüpfte schon als junger Mann Kontakte zur Kunsthalle Bremen und stellte 1919 dort aus. Seine Verbundenheit zu dem Museum bezeugte er zuletzt 1982 durch die Schenkung eines Gemäldes.«
Dallas Museum of Art, Dallas
12. März – 16. Juli 2017
»This major exhibition exploring 50 years of Mexican modern art makes its first and only stop in the US at the Dallas Museum of Art following its successful presentation at the Grand Palais, Paris. Organized in collaboration with the Secretaría de Cultura de México, México 1900–1950: Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco, and the Avant-Garde highlights new narratives in Mexico’s modern art history. This sweeping survey, the result of a combined cultural endeavor between Mexico and France, features almost 200 works of painting, sculpture, photography, drawings, and films that document the country’s artistic Renaissance during the first half of the 20th century. The traveling exhibition showcases the work of titans of Mexican Modernism alongside that of lesser-known pioneers, including a number of rarely seen works by female artists, to reveal the history and development of modern Mexico and its cultural identity. México 1900–1950 showcases how Mexican 20th-century art is both directly linked to the international avant-garde and distinguished by an incredible singularity. The exhibition features work by Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco, Ángel Zárraga, Tina Modotti, and David Alfaro Siqueiros, among others…«
PAN Kunstforum am Niederrhein, Emmerich
11. März – 3. Sept. 2017
»Salvador Dalí (1904–1989) ist neben Picasso und Andy Warhol der bekannteste Maler des 20. Jahrhunderts. Es ist bemerkenswert, dass Dalí mit mehr als 600 Werken vom 11. März bis 3. September 2017 im PAN kunstforum niederrhein in Emmerich am Rhein Präsentiert wird. Es handelt sich um die umfangreichste Sonderschau in Deutschland zu diesem Künstler seit den letzten großen Ausstellungen 1989 in Stuttgart und 2006 in Köln. Gezeigt werden über 500 Grafiken, Offset-Lithografien und Gemälde, über 100 Fotos, mehr als 30 Skulpturen, dazu Kleidungsstücke, Möbel, Bücher und Dokumente. Zu den besonderen Ausstellungsexponaten gehören eine lebensechte Dalí-Figur, die von Lisa Büscher aus Berlin geschaffen wurde, und Dalís wichtigste Skulpturen (wie das Lippensofa, die Schubladenfrau oder der Space-Elefant) sowie Farbxylographien zur Bibel und zu Dantes ‚Göttlicher Komödie’. Die Ausstellung zeigt das große Schaffensspektrum des spanischen Künstlers, der nicht nur Maler, Grafiker und Bildhauer war, sondern auch Schriftsteller, Modedesigner, Bühnenbildner und Filmemacher. Nicht nur für den Kunstinteressierten ist die Ausstellung empfehlenswert. Vielmehr spiegelt das Leben und Werk Dalís auch die Geschichte Europas im 20. Jahrhundert wider. Dalís politische Einstellung und seine Hinwendung zum Surrealismus, mit dem er sich seit 1926/27 in Paris beschäftigte, sind Folgen des Ersten Weltkriegs. Der Spanische Bürgerkrieg versagte ihm 1936, sein Heimatland zu betreten. 1940 floh er vor Nazi-Deutschland aus Frankreich in die USA. Von dort kehrte er 1948 in das von Franco diktatorisch regierte Spanien zurück. Gezeichnet von den blutigen Erfahrungen der Kriege, bei denen enge Freunde das Leben lassen mussten, fand er zum katholischen Glauben zurück…«
Kunstmuseum St.Gallen
11. März – 27. Aug. 2017
»Die Ausstellung Arp Gehr Matisse stellt das Schaffen von Ferdinand Gehr (1896–1996), einem der aussergewöhnlichsten Künstler des 20. Jahrhunderts, der in der Schweiz tätig war, erstmals in den Zusammenhang mit der internationalen Avantgarde. Mit Hans Arp (1986–1966) und Henri Matisse (1869–1954) tritt er in Dialog mit zwei zentralen Künstlern der Klassischen Moderne.«
Project Rooms, Peggy Guggenheim Collection, Venedig
25. Febr. – 26. Juni 2017
»Rita Kernn-Larsen (1904–1998) was a prominent Danish Surrealist artist, whom Peggy Guggenheim met in Paris in 1937 and invited to exhibit at her Guggenheim Jeune gallery in London the following year. This small, focused show will be the first important presentation of Kernn-Larsen’s Surrealist period outside her native Scandinavia, after the 1938 one-woman exhibition. The show will feature seven paintings, more than half exhibited at Guggenheim Jeune, including her Self-Portrait (Know Thyself) (1937), acquired by the Solomon R. Guggenheim Foundation in 2013.«
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris
24. Febr. – 20. Aug. 2017
»Karel Appel, artiste néerlandais cosmopolite, est connu pour avoir été l'un des membres fondateurs du groupe CoBrA, créé à Paris en 1948 (et dissout en 1951). Ce groupe européen, composé d’artistes tels que Asger Jorn ou Pierre Alechinsky, se propose de dépasser les académismes de l’époque, comme l’art abstrait, considéré alors comme trop rigide et rationnel. Ces artistes prônent un art spontané et expérimental, incluant un ensemble de pratiques inspirées du primitivisme. Ils s’intéressent particulièrement aux dessins d’enfants et à l’art des fous avec une ambition internationale, fidèles aux principes des avant-gardes.
Contemporain de la Compagnie de l’art brut fondée par Jean Dubuffet au même moment, CoBrA s’inscrit dans ce courant de contre-culture. Il rejette les valeurs établies et propose un nouveau départ, libéré des conventions et revendiquant la spontanéité du naïf.
Artiste voyageur, Karel Appel a vécu dans plusieurs pays, notamment en France où il s’est installé en 1950. Son travail est alors activement soutenu par des critiques tels que Michel Ragon, ou Michel Tapié qui y voit l’équivalent européen de l’expressionnisme abstrait américain incarné notamment par Jackson Pollock…«
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
10. Febr. – 6. Sept. 2017
»On the occasion of the 80th anniversary of the Solomon R. Guggenheim Foundation, the institution will display in the rotunda over 170 modern works from the permanent collections held in New York and Venice. Visionaries: Creating a Modern Guggenheim will explore not only avant-garde innovations from the late 19th through mid-20th centuries, but also the radical activities of six patrons who brought to light some of the most significant artists of their day. Foremost is the museum’s founder, Solomon R. Guggenheim (1861–1949), who with support from his trusted advisor, the German-born artist Hilla Rebay (1890–1967), set aside a more traditional collecting focus to become a great champion of nonobjective art—a strand of abstraction with spiritual aims and epitomized by the work of Vasily Kandinsky. Assembled against the backdrop of economic crisis and war in the 1930s and 1940s, Guggenheim’s unparalleled modern holdings formed the basis of his foundation, established in 1937 for the public good…«
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
10. Febr. – 6. Sept. 2017
»… The story of Alchemy is inseparable from Peggy Guggenheim, whose patronage throughout Pollock’s brief yet brilliant career significantly contributed to the history of postwar American art. She virtually discovered the artist with her series of one-man shows at Art of This Century, her influential museum/gallery on New York’s Fifty-Seventh Street. Guggenheim was captivated by Pollock’s raw talent, and she devoted considerable energy to promoting and selling his work. After first including the artist in a series of group exhibitions during the museum/gallery’s first season (1942–43), Guggenheim offered Pollock a solo exhibition and commissioned from him a 20-foot-long mural for the vestibule of her East Sixty–First Street duplex. She also provided Pollock with a monthly stipend—the only artist she would support financially in a long-term arrangement. This unprecedented level of assistance for an emerging artist permitted Pollock to quit his job as custodian at the Museum of Non-Objective Painting (later to become the Solomon R. Guggenheim Museum) to devote himself entirely to painting. For the next five years, Peggy Guggenheim subsidized Pollock, which in turn allowed her to acquire significant holdings of his art…»
Heide Museum of Modern Art, Bulleen, Victoria/AU
23. Jan. – 12. Nov. 2017
»To mark the centenary of Sidney Nolan’s birth, Heide Museum of Modern Art pays tribute to Nolan’s iconic Ned Kelly series, conceived and painted in the dining room of the original Heide farmhouse from March 1946 until July 1947. Part of the Heide Collection, Kelly at the Mine (1946-47) will be displayed alongside a selection of Nolan memorabilia in the Heide I library.
Completed when Nolan was thirty, the Kelly paintings were left behind at Heide as a parting gift to his lover and muse Sunday Reed. Sunday subsequently donated the series to the National Gallery of Australia in 1976, stating that the gift was made ‚with love’.
A program of Kelly-focused talks and tours will run throughout 2017. Visitors can learn the fascinating story of the Kelly paintings, from their inception to their departure from Heide, with a focus not only on the paintings’ history but also on exciting recent scientific revelations that shed light on Nolan’s techniques and creative decision-making…«
Zentrum Paul Klee, Bern
20. Jan. – 26. Nov. 2017
»‚Sollte alles denn gewusst sein? ach, ich glaube nein!’ notierte Paul Klee auf einem seiner letzten Werke. Die Ausstellung eröffnet neue Perspektiven auf den Maler Klee, der neben vielem anderen auch Philosoph, Wortakrobat und Poet war.
Seine sprachkünstlerischen Schöpfungen, oft mit feinem Sinn für Ironie und Witz, lassen überraschende Blicke auf seine Bilder zu. Sein Werk ist Ausdruck eines ‚künstlerischen Denkens’, das in unglaublicher Vielschichtigkeit und Fülle Gestalt angenommen hat. In wechselnden Präsentationen werden wir Klee in sein geistiges Universum folgen. Die originalen Bücher aus Klees privater Bibliothek laden zur Lektüre und auf eine ‚kleine Reise ins Land der besseren Erkenntnis’ ein.«
Art et liberté – Rupture, War and Surrealism in Egypt (1938–1948)
Centre Pompidou, Paris
28. Sept. 2016 – 9. Jan. 2017
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
14. Febr. – 11. Juni 2017
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen 20 (K 20), Düssldorf
15. Juli – 15. Okt. 2017
Tate Liverpool
13. Nov. 2017 – 4. März 2018
»Rupture, War and Surrealism in Egypt (1938–1948) is the first ever comprehensive museum exhibition of its kind about the Art and Liberty Group (Art et Liberté – jama’at al-fann wa al-hurriyyah), a surrealistically inclined, politically engaged artist and writer collective living and working in Cairo mostly from the late 1930s until the late 1940s. Initiated by the Centre Pompidou in Paris, deputy director Catherine David has invited curators Sam Bardaouil and Till Fellrath to bring their ongoing research on the topic and work closely on developing this historic exhibition. Upon its conclusion in Paris, the exhibition will travel to the K20 in Dusseldorf and the Tate Liverpool.
Founded on December 22, 1938 upon the publication of the manifesto Long Live Degenerate Art, the Art and Liberty Group sought to instigate a rupture within their cultural and political milieu. Through their bulletin, entitled after the group’s name, and their two periodicals, Don Quichotte and al-Tatawwur (Evolution), all published in 1939–40, the several works of prose and poetry they released through their two publishing houses Éditions Masses and La Part du Sable, and the numerous interventions and exhibitions of independent art that they mounted, including five seminal group shows between 1940 and 1945, Art et Liberté provided a generation of disillusioned Cairo-based Egyptian and non-Egyptian artists and writers, women as well as men, with a heterogeneous platform for cultural and political reform. Through their negotiation of Surrealism, the group sought to achieve a contemporary literary and pictorial language that was as much globally engaged as it was rooted in local artistic and political concerns. Art et Liberté rejected what they perceived as an imported academicism endorsed by a propaganda-seeking State/Monarchy, rebelled against an oppressive colonial power, and broke away from a conservative bourgeois morality that celebrated ‚art for art’s sake.’ A decade later, not without scandal, several of the group’s members were already in prison or in exile. This, along with a formal letter dated July 26, 1948 from Georges Henein, one of the group’s main protagonists, to André Breton declaring withdrawal from the Surrealist movement, signaled the beginning of the end. ‚Baby elephants die alone,’ Henein would declare years later when looking back at Art et Liberté’s short-lived yet intense existence. In borrowing this statement for its title, and through the retelling of their remarkable story, this historic exhibition addresses the group’s long lost, often misconstrued legacy. It explores at once the cultural and political background from which they emerged, as well as the impact they made on a younger generation of artists and writers who were to become some of the leading figures of Egyptian modernism over the decade that followed…«
(s.a. artreoriented.com)
Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Brüssel
16. März 2016 – 16. März 2020
»Bruegel. Unseen Masterpieces dévoile au public les secrets cachés des oeuvres de Pieter Bruegel l’Ancien († Bruxelles, 1569). Si le peintre et ses tableaux sont mondialement connus, chacune de ses compositions renferme encore une multitude de personnages insolites ou familiers, d’histoires dans l’Histoire qui sont autant de chefs-d’oeuvre à révéler.
À travers une large palette d’expériences accessibles en ligne et in situ, cette initiative inédite propose à chacun de s’immerger dans les tableaux de Bruegel, en accédant aux détails infimes de chaque peinture ainsi qu’aux connaissances des experts. Plongeant dans l’univers du peintre, le spectateur découvre ces détails insoupçonnés qui sont la plus belle expression du génie du maître flamand. Les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique ont initié cet événement avec l’Institut Culturel de Google, dans la perspective du 450ème anniversaire de la mort de Bruegel, en 2019. Ce projet innovant rassemble de prestigieux musées internationaux, pour la plupart européens, autour de la figure de Bruegel. Il est la concrétisation d’une profonde réflexion sur les changements en cours dans le domaine de la muséologie, à l’ère du digital…«
Seit 9. Febr. 2009 (Dauerausstellung)
»Salvador Dalí – einer der genialsten Künstler der Moderne, der seine Werke und sich selbst auf spektakulärste Weise inszenierte. ,Surrealismus für alle' – in diesem seinem Sinne sind nun über 450 Exponate dieser schillernden Persönlichkeit dauerhaft am Potsdamer Platz zu sehen. Dieses neue institutionelle Kulturhighlight ermöglicht dabei dem Besucher den wohl umfangreichsten Einblick in Dalís experimentierfreudige virtuose Meisterschaft in nahezu allen Techniken der Kunst direkt in Berlins pulsierender Mitte.
Zu Beginn des Jahres 2009, passend zu Dalís 20.Todestag und in Erinnerung an 20 Jahre Mauerfall, wurde dem populären und polarisierenden Ausnahmekünstler Salvador Dalí, der es stets verstand, Mauern einzureißen, diese feste Einrichtung als Dauerausstellung an historischer Stelle gewidmet. Dieses privat getragene Museum bereichert seit dem als neues Kulturhighlight die hochkarätige Museumslandschaft dieser Ausnahmestadt.
Gezeigt werden aus einem Pool von über 2.000 Werken privater Sammlungen aus der ganzen Welt u. a. Zeichnungen, Lithographien, Radierungen, Holzschnitte, illustrierte Bücher, Dokumente und Arbeitsbelege, originale Grafiken und komplette Mappenwerke, inklusive der von ihm selbst gestalteten Mappenobjekte, dreidimensionale Arbeiten, multiple Objekte und Skulpturen sowie zeitbegleitende Berichte, Texte und Filmsequenzen. In enger Zusammenarbeit mit den Sammlern und seinem Team gestaltet diese stetig wechselnde Auswahl der Initiator und Kurator, Carsten Kollmeier…«
Neuerscheinungen – New releases – Nouveautés
»La poésie ? Ce n’est pas ajouter des livres à d’autres, sur des rayons de bibliothèque, pour faire avec eux une littérature, et son histoire, et de la culture, autrement dit de la mort, non, c’est tenter de rendre aux mots la pleine mémoire de ce qu’ils nomment : ces choses simples qui sont de l’infini, de la vie, quand on les perçoit dans leur immédiateté, mais que notre discours conceptualisé, tout analytique, remplace par ses schèmes, ses abstractions. Et ce projet, c’est évidemment une tâche qu’on n’en finira pas d’accomplir, puisque le langage ne peut prendre forme qu’en différenciant les figures dont il va faire son monde, ce qui le conduit à définir, classer, substituer des lois à des présences. La poésie tente de remonter ce courant, elle ne le peut, elle doit chercher des façons indirectes d’être la mémoire de l’immédiat, de réveiller l’être parlant de son sommeil conceptuel, et même ce travail du négatif, c’est difficile, c’est sans fin, d’autant que la pensée ambiante, dans des sociétés occupées à tout autre chose, cherche sans fin aussi à étouffer cette voix. Une situation où ce qui va importer surtout, c’est la lucidité de qui œuvre, son obstination à comprendre qu’il y a dans les mots, les pensées, même les émotions de chaque moment de sa vie, des forces qui le détournent de l’intuition qui l’anime…«
Yves Bonnefoy
»Une soapbox est une caisse à savon qui fait office d’estrade sur laquelle on se place pour faire un discours, haranguer la foule ou pour clamer la poésie.«
Les minutes de l'umbo
Surrealismus No 3
Le surréalisme roumain
Frühling/Sommer 2017
»La revue de presse, Les entretiens : Sylvain Amic, Alain Jouffroy (sa dernière interview), Eric Morin, Lou Dubois, Le surréalisme roumain, les expositions, les ventes... «
Bonjour,
Nous avons le plaisir de vous annoncer que le numéro 126 d'Infosurr est paru.
C'est le deuxième publié dans l'année ! Nous rattrapons notre retard et le numéro a dû arrivé par courrier postal auprès des abonnés.
Le n° 126 rend compte largement et à juste titre de la publication des lettres d'André Breton à Simone Kahn. Nous faisons aussi place aux récentes publications de Jacques Abeille et de Maurice Fourré, aux expositions de Paul Delvaux, de Francis Picabia et de quelques autres. En cette période électorales, Infosurr n'oublie pas de signaler quelques fantaisistes candidats mis en lumière par la librairie du Sandre. Et en dernière page, coup de projecteur est porté sur le trop méconnu Ted Joans.
Le n° 127 paraitra fin avril avec en couverture un hommage à Jean-Claude Charbonel. Nous traiterons beaucoup de l'actualité autour des peintres surréalistes, Marcel Duchamp & Robert Lebel, Max Ernst & Tanguy, les ultracorps d'Enrico Baj et même le surréalisme au Costa-Rica. Un coup de projecteur sera porté sur Max Schoendorff. Et bien sûr des nouvelles plus brèves et les 3 pages habituelles de recensement.
Puis dans les numéros suivants, sont annoncés des articles sur l'essai de Georges Sebbag sur André Breton : 1713-1966, l'exposition Magritte à Paris, le collage surréaliste, l'actualité portugaise d'Artur Cruzeio-Seixas, Charles Fourier, Jacques Kober, Sergio Lima, la beauté convulsive en République tchèque, hommage à Jan Schlechter Duvall, etc.
Le nouveau catalogue de livres, brochures et revues soutenus et diffusés par Infosurr est joint à ce message et disponible sur le site d'Infosurr.
Dernier contenu ajouté sur le site d'Infosurr :
Un document étonnant diffusé lors du décès d'André Breton.
Le Grand Tamanoir, édition que nous soutenons, a le plaisir de vous annoncer la publication en avril 2017 la Brève histoire de l'igloo africain par Les Coleman, traduite de l'anglais par Michel Remy. Le bulletin de souscription est joint à ce message. D'autres projets sont prévus (Philippe Audoin, Jean Thiercelin, Jean-Pierre Lassalle, Georges-Henri Morin & Jacques Lacomblez, etc.).
La connaissance de la galaxie surréaliste en sera renforcée et ses idées défendues.
Comme il se doit, pour réaliser toutes ces actions, nous avons toujours besoin de votre soutien : réabonnement, diffusion, signalement de publications, expositions, événements, etc.
En souhaitant que vous nous accompagniez dans cette passion et cette exigence,
Bien cordialement
Pour la rédaction d'Infosurr
Richard Walter
Peculiar Mormyrid No. 5 · Juni 2017
Revolt has many faces. Can you recognize it? The Mask of Revolt is somewhere out there, grinning in the shadows, calling your name. Go out into your city or somehow step “outside” (whether into the streets, zones of exteriority, atopses, worthless places, urban atmospheres). Find the mask and acknowledge its presence in whatever form it may choose to appear to you. Play with it, photograph it, film it, describe it, or otherwise communicate what you discover.
PDF-Version
Beim französischen Video-Produzenten Seven Doc – Sitz in Grenoble – erscheinen in der Collection Phares seit längerem Dokumentarfilme auf DVD, die Leben und Werk der Pariser Surrealisten beleuchten. Ergänzt werden diese durch jeweils 88-seitige Booklets, die u.a. illustrierte unveröffentlichte Dokumente der Künstler enthalten.
Erschienen sind bisher Filme zu Yves Tanguy, André Breton, Yves Elléouët, Jacqueline Lamba, Marcel Duchamp, Robert Desnos, Alan Glass, Wifredo Lam, Leonora Carrington, Max Ernst, André Masson, Alice Rahon, Jacques Herold, Remedios Varo, Dorothea Tanning, Victor Brauner, Dora Maar, Matta, Wolgang Paalen und Jean-Claude Silbermann.
Aktuell dazu gekommen sind nun Dokumentationen zu Toyen, Benjamin Péret und Claude Cahun.
Die Filme können direkt beim Anbieter via Internet bestellt werden.
2018
The Surreal Visions of Josephine Tota | International Arts & Artists, Washington, DC / The Memorial Art Gallery of the University of Rochester, Rochester, NY
de Diego, Estrella: Gala Dalí | Museo Naticional d'Arte de Catalunya, Barcelona
2017
Pierre Alechinsky | The National Museum of Art, Osaka
Enrico Baj: The Artist's Home | Luxembourg & Dayan, Skira Rizzoli, New York
Enrico Baj: Play as Protest | Cobra Museum voor Moderne Kunst, Amstelveen/NL
Pol Bury – Time in Motion | Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, Brüssel
Gillian Wearing & Claude Cahun | National Portrait Gallery, London
Calder & Miro | Galerie von Vertes, Zürich
Leonora Carrington: The Milk of Dreams | NYR Children's Collection, New York
The Complete Stories of Leonora Carrington | Dorothy, a publishing Project, St. Louis, MO
Leonora Carrington: Down Below | New York Review Books Classics, New York
Eburne, Jonathan P./McAra, Catriona: Leonora Carrington and the international avant-garde | Manchester University Press, Manchester
Moorhead, Joanna: The Surreal Life of Leonora Carrington | Virago, London
Kissane, Sean: Leonora Carrington | Irish Museum of Modern Art, Dublin
Warner, Sheila Heti Marina: Leonora Carrington: The Debutante and Other Stories | Silver Press, London
Salvador Dalí: Diary Of A Genius | Deicide Press, San Francisco
Dalí / Duchamp | Royal Academy of Arts, London
Pierre De Maria (1896–1984). Figuratif de l'imaginaire | Michel Descours, Lyon
Hervé Delabarre: Effrange le noir | Librairie-Galerie Racine, Paris
Marcel Duchamp and the Fountain Scandal | Philadelphia Museum of Art, Philadelphia
Max Ernst – Big Brother: Teaching Staff for a School of Murderes | Paul Kasmin Gallery, New York
Raine, Kathleen: David Gascoyne et la fonction prophétique / David Gascoyne and the Prophetic Role | Black Herald Press, London
Gek van surrealisme – Dalí, Ernst, Magritte, Miró… uit de collecties van Roland Penrose, Edward James, Gabrielle Keiller en Ulla en Heiner Pietzsch | Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam
Alberto Giacometti | Tate Modern, London
Iliazd: Rapture – A Novel | Columbia University Press, New York
Iliazd: Philosophia | (Roman) Matthes & Seitz, Berlin
Rita Kernn-Larsen. Surrealist Paintings | Peggy Guggenheim Collection, Venedig
Konrad Klapheck. Derrière le rideau | Galerie Lelong, Paris
Lebensztejn, Jean-Claude: Kafka, Sade, Lautréamont – Rêve déchiré | Les presses du réel, Dijon
Wolfgang Lettl – Manfredonia la mia amante | Ex fabbriche di San Francesco/IT
Lewandowska, Karolina: Le spectre du surréalisme (Une exposition du 40e anniversaire du Centre Pompidou) | Atelier des Forges, Éditions Textuel, Arles
Amao, Damarice: Eli Lotar et le mouvement des images | Les Éditions Textuel, Paris
Magritte: Der Verrat der Bilder | (Schirn Kunsthalle, Frankfurt) Prestel, München
Joan Mitchell / Jean-Paul Riopelle | Musée national des beaux-arts du Québec
Robert Motherwell – Arbeiten aus dem graphischen Œuvre und Arbeiten auf Papier | Galerie Boisserée, Köln
Les Mystères de la chambre noire: Photographic Surrealism, 1920 – 1950 | Ubu Gallery, New York
Boyd Haycock, David: Paul Nash: Outline, An Autobiography | Lund Humphries, London
Sidney Nolan Centenary | Heide Museum of Modern Art, Bulleen, Victoria/AU
Richard Oelze | Michael Werner, New York
Meret Oppenheim – Works in dialogue from Max Ernst to Mona Hatoum | (MASILugano) Skira Rizzoli, Mailand – New York
Schwartz, Barthélémy: Benjamin Péret, l’astre noir du surréalisme | Les éditions Libertalia, Paris
Benjamin Péret: L’Art populaire du Brésil | Éditions du Sandre, Paris
Alejandra Pizarnik: The Most Foreign Country | Ugly Duckling Presse, New York
Aurouet, Carole: Jacques Prévert – Une Vie | (Biografie) Jean Michel Place, Paris
Jindřich Štyrský: Dreamverse | Twisted Spoon Press, Prag
Tamayo: The New York Years | Smithonian, American Art Museum, Washington DC
A Life in Art: Albert Tucker | Heide Museum of Modern Art, Bulleen, Victoria/AU
Tristan Tzara – Approximate Man, Pt. 1 | (Audio-CD by Illuminated Digit) Ovid Anchik, o.O.
Raul UBAC | Galerie Maeght, Paris
Vladislav Vančura: Felder und Schlachtfelder | Arco Verlag, Wuppertal
We are Completely Free. Women Artists and Surrealism | Museo Picasso Málaga
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